JEFF WALL

Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo. Sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Édouard Manet.

Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, el racismo, la pobreza, así como los conflictos de género y de clase. 

CHRIS BURDEN

                 

La reputación de Burden como artista comenzó a crecer a principios de los años 70 después de que hiciera una serie de controvertidas performances en las que la idea del peligro personal como expresión artística fue central. Su obra más conocida de esa época fue quizás Shoot («Disparo») —realizada en 1971 en el F Space de Santa Ana (California)— en que una ayudante le disparó en su brazo izquierdo a una distancia de unos cinco metros. Otras performances de los años 70 fueron Five Day Locker Piece (1971), Deadman (1972), B.C. Mexico (1973), Fire Roll (1973), TV Hijack (1978) y Honest Labor (1979), obras en las que Burden se ha crucificado sobre un Volkswagen, gateado sobre vidrios rotos o se ha metido en un saco bajo un coche en medio de la calle. A partir de 1975 hizo pocas performances y comenzó un período en el que creó instalaciones y objetos que se oponen a la ciencia y la política.

CINDY SHERMAN

Cindy Sherman (nacida el 19 de Enero de 1954 en Nueva Jersey) es una fotógrafa y directora de cine estadounidense.

Cindy Sherman se empezó a interesar por las Artes Visuales mediante la pintura en la Universidad de Búfalo, aunque enseguida pasó a usar la fotografía como medio favorito de expresión debido a las limitaciones que encontraba en la pintura.

Es conocida sobre todo por sus autorretratos conceptuales, Complete Untitled Film Stills (1977-1980),uno en los que se cambia su ropa y su aspecto para dar a las fotografías apariencia cinematográfica usando estética y planos propios del Cine negro.

Las siguientes obras en las que se muestra la artista, requieren una cran habilidad de disfraz y también de expresión. Cindy aparte da su cuerpo por la realización de una obra, es quizás la que se lleva mas al límite de físico para interpretar su idea.

DAVID SALLE

Usa como una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y performances, hacia 1979 se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda; se nutre por igual del arte clásico (artistas barrocos como Velázquez y Bernini, románticos como Géricault, impresionistas como Cézanne, expresionistas como Solana, surrealistas como Magritte y Giacometti), como del contemporáneo, en especial del pop-art, recibiendo sobre todo la influencia de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como la de europeos como Sigmar Polke. Asimismo, muchos aspectos compositivos de Salle recuerdan a la obra de Francis Picabia que desarrolló en los años 40.

La característica principal del estilo de Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. Suele recurrir en sus imágenes a la inserción de texto o signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Sus imágenes tienen un cierto aire ingenuo, torpe, están expresamente mal pintadas, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico.

JEFF KOONS

Jeff koons aparece como artista en la década de los 80, en plena época consumista, donde la exaltación de lo superfluo es evidente. Hay que recordar que no carece de grandes polémicas a lo largo de su vida. De todo el gran ámbito consumista surge su obra, la cual pretende conmover y criticar esto de forma perturbadora y a la vez con un toque de humor un tanto malévolo. Entra aquí igualmente la influencia de los medios, que se aprovechan totalmente del despilfarro de la masa. 

Utiliza objetos cotidianos y de valor mínimo para conseguir su objetivo, al igual que hizo Duchamp, colocándolos en galerías iluminados y carentes de su antigua función. A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.

A la mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual, minimalista y pop. Aunque muchos críticos lo han denominado como el principal artista kitsch.

ARTE POSTMODERNO

El arte posmoderno se define más por la indefinición, por la diversidad de estilos y materiales, por la mezcla de elementos antiguos y nuevos, experimentando con los colores y las texturas y apropiándose de elementos del pasado (“adhocismo”). Frente a la utopía estética moderna, la postmodernidad refleja el aspecto plural y globalizado de la sociedad de finales del siglo XX, caracterizado por los medios de comunicación de masas y el crecimiento de la cultura visual, con gran proliferación de imágenes, tanto impresas como electrónicas, diluyendo la frontera entre la realidad y su representación, así como el concepto de originalidad.

Los artistas quieren desproveer la imagende de su sentido icónico, representativo y conceptual, pretenden desmitificarla . Artistas como Sherrie Levine, Basquiat, Jeff Koons, Julian Schnabel, David Salle, Mike Bidlo, Louise Lawler, y Jeff Wall buscan despojar a la imagen de su sentido convencional, dándole nuevos significados basados en la descontextualización, en el orden-desorden estético.

"Tenor"  de Basquiat

                                                                                                                   

ROY LICHTENSTEIN

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington. 

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia devenir Matisse y Pablo Picasso.

¿APROPIACIÓN O COPIA?

El movimiento apropiacionista implica tomar posesión de algo para la creación de algo nuevo, o para retar la manera en cómo se perciben las cosas y como cambian de acuerdo al tiempo y espacio en que son presentados”, de todos modos, actualmente y en mayor cantidad que antes, se puede decir que el apropiacionismo, esta siendo confundido por la gente del común, cada vez más por el plagio, así muchos cantantes, escritores e incluso pintores, ven como cuelgan por Internet sus obras y como estas son copiadas masivamente para ser vendidas al mejor postor en las calles de las ciudades.

Muchas personas no diferencian entre un plagio y una apropiación, incluso muchos estudiantes de manera descarada, copian lo de otros o de manera textual citan conceptos como si fueran suyos, pero no saben ni siquiera lo que estos significan.

                                David Hockney

Peter Knapp- Elle

Hannah Starkey - La solitude           

EL DADÁ Y EL APROPIACIONISMO 

El dadá y sus vertientes son los mayores precursores de lo que apropiación de imagen se refiere, la aplicación de elementos figurativos entremezclado y reinterpretados se produjo con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. 

Kurt Schwitters, Carnival, 1946

EL ARTE PÓVERA

Los artistas emplean en sus obras materiales desechados. Estos objetos son "reciclados" para producir una obra artística. Los materiales recobran su valor al cambiar su registro al "uso artistico".

“Venus of the rag”, Michelangelo Pistoletto (1933) 

EL NUEVO REALISMO Y EL APROPIACIONISMO

                                           El décollage

El décollage, forma expresiva del Nuevo Realismo

Los miembros de este movimiento veían el mundo como una imagen de la que ellos tomarían diferentes partes y las incorporarían aleatoriamente a su obra. Buscaban, de diferentes maneras, unir lo más posible la vida y el arte. Estos artistas se unieron sobre la base de su “singularidad colectiva”, es decir, su individualidad en un marco plural.A pesar de la diversidad de su lenguaje plástico, percibían la existencia de una base común para su obra, siendo éste un método de apropiación directa de la realidad, equivalente, en términos de Pierre Restany, a: “(…) un reciclado poético de la realidad urbana, industrial y publicitaria”.Abogaban por un "regreso a la realidad”, en franca oposición al lirismo de la pintura abstracta, pero evitando la tentación de caer en el arte figurativo, al que consideraban o bien pequeño burgués o su contracara ideológica, el realismo socialista. Se valían de objetos exteriores para explicar la realidad de su tiempo.Aplicaron la técnica del décollage (lo opuesto a los collages), en particular a través del uso de carteles rasgados o lacerados, una técnica de François Dufrene, Jacques Villeglé, Mimmo Rotella y Raymond Hains. La intención era presentar sus obras de arte en la ciudad de París de manera anónima, porque la firma de autor estaba dada por la impronta de este nuevo arte.Son contemporáneos del Pop Art estadounidense, y son una suerte de puente de éste a Francia, por su uso e ironía  de los objetos de consumo producidos en masa, como los carteles de Villeglé, o los basurales o montañas de escombros de Arman.El arte se revela de maneras muy diferentes, y también, frecuentemente, se rebela.

Biblografía; Carlos Herczeg, Revista; Arte y Cultura 01

Jacques Mahé de la Villeglé 1926

Mimmo Rotella Casablanca1963-73

RAYMOND HAINS, Rolling Stones IV, 1998

POP ART

Toda imagen fotográfica es susceptible de ser desviada de su contexto original de producción o de difusión para ser utilizada con otros fines o bien ser objeto de una apropiación por un operador diferente. Este gesto de apropiación y de desviación –détournement– se encuentra en primer lugar en las técnicas del fotomontaje y del collage, que se alimentan de imágenes preexistentes. En los años sesenta, los artistas del Pop Art utilizan a sabiendas imágenes fotográficas mediáticas extraídas de la prensa o de la publicidad y las incorporan a sus obras (Andy Warhol, Robert Rauschenberg...). El Pop Art exploró la imagen del mundo de la cultura popular, de donde procede su nombre. Basando su técnica, estilo e imaginería en ciertos aspectos de la reproducción de masas, los media y la sociedad de consumo, estos artistas se inspiraron en la publicidad, las revistas baratas, las vallas publicitarias, las películas, la televisión, el cómic y los escaparates de las tiendas. También fue una potente herramienta de reivindicación política.

Andy Warhol, Marilyn Monroe 1967

Jasper Johns, Flags, 1965

LARRY RIVERS "Last Civil War Veteran"1970

Martial Raysse ,Suddenly Last Summer, 1963

Robert Rauschenberg ,Retroactive I, 1964

Larry Rivers, Camels 1965

¿QUÉ IMPULSÓ EL APROPIACIONISMO?

Mark Rothko: Azul, naranja, rojo, 1961

Marcel Duchamp- Fountain, 1917 

Contexto económico y socio-político

• Las obras <artísticas> del pasado no se realizaban industrialmente porque no existía la posibilidad técnica ni tampoco la sociología (¿Cuantos compradores iba a haber de productos si solo interesaban, o podían pagar un grupo determinado de personas?)

• Algunos modos comunicativos eventualmente socializados del arte del pasado hacían innecesario el planteamiento multiplicador (pintura de lienzo, pintura mural...)

• La mercancía favorecía al poseedor de ciertas obras y no al realizador de las mismas.

• El deseo de aniquilar la incidencia positiva del arte en la praxis social, fomentó el mito del arte como plasmación única de un momento irrepetible de auto-expresión por parte del artista genio, sin vinculaciones con la realidad productiva o la lucha de clases.

• Se catalogaban de “Artes menores” al grabado, la cerámica, las producciones pictóricas de talleres provincianos, etc.

• Pero el impacto que las nuevas condiciones sociológicas de la “civilización de la imagen abocada al consumismo masivo de lo “superfluo”, produce el campo de las artes de élite a comienzos de los años 60, determina, en primer lugar, un planteamiento crítico de todas la condiciones y los nuevos productos de esa civilización. 

• Las nuevas formas de reproducción artística permiten un nuevo proceso de creación mucho más productivo, económico y de fácil distribución a la cultura de masas. 

• La posibilidad de poder transmitir un mensaje donde los iconos, imágenes, símbolos...etc. sean fácilmente reconocidos por la sociedad brinda la posibilidad de poner a estos elementos en cuestión bajo lupa, re-obserbandolos replanteando el porque de su existencia o que están provocando en nuestro día a día.  En los movimientos que implican la apropiación de imagen se valora más el uso del mensaje que el proceso de creación de este o la originalidad. (Estricto requisito que define al expresionismo abstracto, (originalidad, proceso. técnica...etc.) el cual convive contemporáneo a estos movimientos.

• El <<pop-art>> realiza una tare de aprovechamiento constructivo, desmitificado, de los productos de cultura de masas (cine,cómics publicidad...). Frente a lo que se ha dicho, el <<pop-art>> no niega las modalidades comunicativas de los nuevos medios, sino que, hipertrofiando y des-contextualizando sus lenguajes, llega a proponer una reflexión sobre los mitos que estos medio vinculan: Marilyn Monroe, Robert Kennedy o John Wayne aparecen como muñecos inertes de un mundo hueco.

¿EN QUE CONSISTE LE APROPIACIONISMO?

Martial Raysse, Made in Japan - La Grande Odalisque, 1964

La mayoría de obras apropiacionistas exigen una reflexión sobre los elementos de meditación de la obra de arte y sobre los modos de su inserción en el discurso institucional e histórico, un desplazamiento de la atención crítica de las obras de arte individuales hacia sus marcos institucionales, investiga los intereses políticos y económicos a los que esta sirve. El apropiacionismo pretende analizar los procesos de recepción e interpretación de las obras de arte, se constituye una forma de producción artística, en una nueva vía de creación. Un desplazamiento de la obra al marco trata de re-presentar las obras de las que se apropia, reenmarcarlas, desplazar la observación del espectador hacia el marco y la pared del museo, dirigiendole hacia las condiciones institucionales del marco, hacia los márgenes del contexto.

“Contener el museo en vez de ser contenido por él, presentarlo en vez de ser presentado por él”

Thomas Struth (German, b.1954) -Museo del Prado 3, Madrid, 2004

La obra de arte se convierte en algo que se construye simultáneamente a la observación del espectador. El cambio de contexto, de ruptura de discursos de la temporalidad y la historia de la tradición, trata de implicar al espectador en el cuestionamiento de la naturaleza y el proceso del arte mismo, en el cuestionamiento del estatus de un objeto como arte y de sus presunciones y presuposiciones institucionales.

El Arte de Reinterpretar

“Como estratégica de lenguaje el apropiacionismo crítico se sitúa en uno de los parámetros fundamentales de lo pos-moderno, ya que supone una radicalización de los recursos de la cita, la alusión o el plagio que caracterizan la práctica artística pos-moderna; como estrategia crítica implica una actitud de revisión, de re-lectura de lo dado, de toma de conciencia de la influencia de los sistemas de exposición y comercialización sobre la obra de arte su dependencia del contexto institucional y del discurso histórico por el determinado”.

JUAN MARTÍN PRADA, La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y teoría de la posmodernidad, Fundamentos, Madrid, 2001

  Still Life 30, 1963. Tom Wesselmann